Découvrez le pianiste John Kamfonas

Comme certains d’entre vous le savent déjà, j’ai eu le plaisir d’enregistrer, tout récemment, un CD avec le pianiste américain John Kamfonas. Nous y interprétons des airs d’opérette et des mélodies de compositeurs français du XIXe siècle. Après avoir ardemment travaillé ensemble sur ce magnifique répertoire, nous avons la joie de pouvoir le partager avec vous (cliquez ici pour en entendre quelques extraits). À l’occasion de la sortie du disque, j’ai eu envie de poser au talentueux John Kamfonas un certain nombre de questions sur lesquelles je ne l’avais pas encore interrogé : c’est cette courte interview d’un pianiste par un chanteur que je soumets ici à votre curiosité. 

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John Kamfonas sur la scène du Grand salon de la Fondation des États-Unis

Pour mes lectrices et lecteurs qui ne te connaissent pas, peux-tu te présenter ?

Je m’appelle John Kamfonas. Je suis un pianiste américain. J’ai grandi à Philadelphie et après avoir vécu 6 ans à New York, j’ai eu l’occasion de venir à Paris en 2013 pour quelques mois. Ces quelques mois se sont transformés en cinq ans !

Pourquoi as-tu décidé de t’installer à Paris ?

Disons que ce n’est pas moi qui ai décidé de m’installer à Paris, en fait c’est plutôt Paris qui m’a choisi. J’avais passé un concours de piano en Grèce en 2012 et après une épreuve, le pianiste et pédagogue français Jean Fassina, membre du jury de ce concours, est venu me dire qu’il avait beaucoup aimé mon jeu et ma musicalité. Après quelques discussions plus poussées, il m’a invité à Paris pour travailler avec lui pendant quelques mois afin d’améliorer certains aspects de mon jeu. Je suis donc venu à Paris pour des études intensives auprès de M. Fassina. Il m’a fait redécouvrir l’instrument du point de vue de la production du son. J’ai ensuite poursuivi mes études supérieures avec Marian Rybicki à l’École Normale de Musique dont je suis sorti diplômé en 2017. En parallèle de mes études, j’ai été accepté comme boursier à la Fondation des États-Unis où je suis resté 3 ans en tant que musicien résident. À Paris, j’ai rencontré des collaborateurs magnifiques (comme toi !) qui m’inspirent énormément. J’ai également trouvé dans Paris une ville pleine de passion pour les arts, pleine de perspectives diverses, pleine d’histoire à chaque coin de rue. Je dirais aussi que Paris, bien qu’on dise qu’il s’agit d’une grande ville, garde un certain caractère d’intimité. Bref, même si au début je n’ai pas choisi Paris, après 5 ans ici, je m’y sens chez moi.

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Entrée principale de la Fondation des États-Unis à Paris

Y a-t-il, selon toi, une différence dans l’enseignement du piano aux États-Unis et en France ?

Je pense qu’il est difficile de généraliser étant donné que beaucoup de professeurs aux États-Unis ont fait au moins une partie de leur formation en France ou en Europe. Mais si je devais choisir un aspect particulier, je dirais qu’en France (voire plus généralement en Europe), l’enseignement est davantage focalisé sur la qualité du son produit au piano : combien de nuances et de couleurs peut-on trouver pour mieux développer la phrase ? Comment trouver une sonorité « chantante » sur un instrument dont le son est produit par des marteaux ? Quand j’ai assisté à une série de masterclasses aux États-Unis, j’ai été surpris que ces questionnements fondamentaux soient presque complètement absents du commentaire des professeurs.

Tu apprécies la musique de chambre et joues souvent avec d’autres instrumentistes : est-ce similaire de travailler, par exemple, avec un violoncelliste et avec un chanteur (en l’occurrence, moi !) ?

Quand on collabore avec différents musiciens, il faut être conscient de la projection des différents instruments et savoir comment le piano peut compléter leur timbre. Par exemple, un violoncelle risque plus facilement d’être couvert par le piano qu’un instrument plus aigu comme le violon qui passera aisément au-dessus d’un accompagnement au piano. Il faut donc être attentif à trouver un juste équilibre. En ce qui concerne le travail avec les chanteurs par rapport à celui avec les instrumentistes, je trouve qu’il y a peut-être moins d’ambiguïté dans l’interprétation avec des chanteurs, dans la mesure où le texte chanté donne des indices supplémentaires. Certes, il y a des choix musicaux à faire pour construire l’interprétation d’un morceau vocal, mais en général le contexte de l’œuvre (contenu du texte, personnage, cycle de mélodies, etc.) nous indique le message principal du morceau. En revanche, quand je travaille une sonate pour violoncelle ou pour violon, cette composition plus abstraite laisse potentiellement une plus grande place aux divergences d’opinion sur l’interprétation.

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Recto de la pochette de notre CD
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Verso de la pochette de notre CD

C’est une question à laquelle j’aurais moi-même du mal à répondre mais as-tu un morceau préféré dans le CD que nous venons d’enregistrer ensemble ?

C’est effectivement une question très difficile ! J’adore tous les morceaux, chacun ayant leur propre « saveur ». Mais si je devais choisir, je dirais probablement Les Berceaux de Fauré. Peut-être que c’est aussi dû au fait que c’était le premier morceau qu’on a enregistré… J’adore la simplicité de sa construction, avec la partie de piano qui coule, ondule, tandis que la mélodie envoûtante flotte au-dessus.

En dehors de la musique dite « classique », qu’aimes-tu écouter ?

Mes préférences musicales évoluent constamment. En dehors du domaine de la musique classique, c’est Keith Jarrett qui a inspiré ma prédilection pour l’improvisation, genre que je pratique régulièrement dans mes concerts. Cette fascination pour l’improvisation m’a conduit vers les « musiques du monde » : par exemple, le tango argentin, les ragas indiens et les rythmes hasapiko de Grèce (pays dont est originaire ma famille). J’ai eu l’occasion de faire une collaboration avec des membres du Silk Road ensemble, un groupe fondé par le violoncelliste Yo-Yo Ma.

Ci-dessous, un morceau joué par John Kamfonas avec plusieurs musiciens internationaux, dont Sandeep Das, maître du tabla (percussion indienne) et membre du Silk Road ensemble.

Comme tu le sais, ce blog – comme beaucoup de mes projets professionnels – allie musique et arts visuels. Je souhaitais donc terminer ce court entretien en te demandant d’évoquer un artiste ou une œuvre de ton choix.

Je me souviens d’une sculpture que j’ai vue juste après mon arrivée en France. On peut dire que c’est un petit hommage au professeur qui m’a invité à Paris la première fois. C’était en 2013, j’avais déjà commencé mes cours et je suis allé visiter le musée Rodin. Bien sûr, je m’attendais à voir ses plus célèbres sculptures, mais ce qui m’a le plus attiré a en fait été ses sculptures de mains. Une, en particulier, qui a pour titre La Cathédrale, montre deux mains droites, l’une en face de l’autre, qui ne se touchent pas, avec un espace entre elles. En tant que pianiste, je suis particulièrement fasciné par les mains. Ces sont les outils qui me permettent de réaliser mon art. Les mains sont aussi des outils que nous utilisons en tant qu’êtres humains pour interagir avec le monde, pour communiquer, pour construire, pour créer. Mais dans cette sculpture de Rodin, les mains deviennent plus que des outils : elles acquièrent des personnalités et des rôles. Ces deux mains m’ont paru très « communicatives », l’une avec des doigts tendus, comme si elle déclarait une idée, l’autre détendue avec des doigts délicats légèrement arrondis comme si elle écoutait. Devant cette œuvre, j’ai immédiatement pensé à mes cours de piano avec mon professeur à Paris : il regardait toujours attentivement pendant que je jouais en écoutant et en observant tous mes mouvements, et puis, parfois, il mettait sa main près de la mienne, en guidant sa « chorégraphie » pendant que je jouais une phrase. Il a laissé ma main suivre la sienne.



John et moi vous invitons à venir nous entendre ce dimanche 18 mars à 17 heures, au 40e Rendez-vous musical de la Fondation des États-Unis. D’autres dates seront annoncées prochainement. En attendant, découvrez notre CD !

 

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